Un justo palmarés para un gran Festival

Y llegó la gala de clausura del Festival de San Sebastián, y con ella el anuncio del ansiado palmarés. Hay que destacar que este año, salvo alguna excepción, el nivel ha sido muy elevado, con grandes películas, por lo que el jurado lo ha debido tener difícil para otorgar cada uno de los premios.

CONCHA ORO MEJOR PELÍCULA: DANS LA MAISON de François Ozon
La favorita de la crítica para alzarse con el máximo galardón, y a diferencia de otros años donde palmarés y periodistas no se ponían de acuerdo, esta vez sí que ha ocurrido.
A pesar de que podría haber ocurrido cualquier cosa y había varias favoritas como Rhino Season, Blancanieves, The Dead and the Living, Le Capital. Nosotros pensábamos que el jurado acabaría dando la Concha a una película comprometida por su mensaje. Al final han sabido ver la calidad de la cinta francesa y se han rendido al aclamado director. Nosotros apostábamos por ésta película y así hemos acertado.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: BLANCANIEVES de Pablo Berger
La película del bilbaino ha sido todo un éxito de crítica y público, y precisamente por eso nos tenía descolocados de cara a posibles premios. Tenía posibilidades para la Concha de Oro, para el director o un premio para el conjunto de sus actrices. Por lo que corría el peligro de irse de vacío si el jurado no hubiera llegado a un entendimiento. Al final han desempatado y ha recibido el especial del jurado, destacandola como una de las mejore películas de este festival.
Nosotros aquí habíamos apostado por Días de Pesca, que al final se ha ido de vacío.

CONCHA DE PLATA MEJOR DIRECTOR: FERNANDO TRUEBA por El Artista y la Modelo
La vuelta del director desde la animación ha sido toda una sorpresa, y poniendo a Trueba en el panorama de los mejores directores y más versátiles del momento. Gran éxito de crítica y público en el festival, recordaba al cine de antes y cada una de las elecciones que ha hecho el director para esta película a priori pequeña y sencilla, son todo un acierto.
Nosotros apostábamos por Pablo Berger por su Blancanieves, pero la elección nos ha parecido perfecta.

CONCHA DE PLATA MEJOR ACTRIZ: ex-aequo MACARENA GARCÍA por Blancanieves y KATIE COSENI por Foxfire
La verdad, una de las sorpresas de la noche, había muchas apuestas, que si Maribel Verdú o el equipo entero de Blancanieves, Monica Bellucci por Rhino Season, Raven Adamson por Foxfire o incluso Aida Folch por El Artista y la Modelo.
Al final sorprendieron con Katie Coseni, una de las protagonistas de Foxfire, que aunque era una película muy irregular, lo que más destacaba era la genial actuación de sus actrices, pero nosotros pensábamos que tendría más posibilidades la líder del grupo Raven Adamson. ¿Habrá influido que ésta no estuviera en el festival y la ganadora sí?
El premio de Macarena García nos parece realmente un reconocimiento a todas las actrices de la película, aunque se lo haya llevado ella sola, pero totalmente merecido, con su mirada consigue atrapar al espectador y sentir todo lo que le ocurre a esta Blancanieves andaluza.
Nosotros apostábamos por Anna Fischer por The Dead and the Living y pensamos que realmente se merecía el premio por la creación de su personaje, la joven que en busca de las pistas del pasado nazi de su abuelo.

CONCHA DE PLATA MEJOR ACTOR: JOSÉ SACRISTÁN por El Muerto y el Ser Feliz
La verdad es que aunque merecido el premio, había otros nombres que se esperaban que fueran a salir como Jean Rochefort por El Artista y la Modelo, Gad Elmaleh por Le Capital o Ali Suliman por The Attack; aunque Sacristán también estaba en las quinielas.
El actor no pudo ir a recoger el premio, pero mandó sus agradecimientos por video que recibieron un gran aplauso.
La película fue recibida de forma fría, pero todo el mundo ha destacado la actuación del actor, por lo que con esta Concha ya se sitúa en la carrera de los premios Goya.
Nosotros apostábamos por la irónica y divertida actuación de Gad Elmaleh en Le Capital de Costa-Gavras, y sinceramente era la mejor actuación de este festival.

PREMIO DEL JURADO MEJOR FOTOGRAFÍA: Touraj Aslani RHINO SEASON
Seguramente el premio que con mayor seguridad iba a ocurrir, la película sonaba entre las favoritas para alzarse con la Concha de Oro. Pero, ante tanto nivel se intuía que el palmarés iba a estar muy repartido, por lo que premiando a la fotografía era como premiar a toda la película, dado que la gran potencia visual es la película en sí.
Nosotros apostamos por esta película y acertamos.

PREMIO DEL JURADO MEJOR GUIÓN: François Ozon por DANS LA MAISON
Muy buenos guiones para grandes películas y sonaban El Artista y la Modelo, Le Capital, The Dead and the Living y la ganadora.
Al final se ha llevado el premio la francesa, que adaptaba una obra de teatro española y la trasladaba a Francia.
Nosotros apostamos por Le Capital, que ahondaba en la crisis desde la perspectiva de los grandes bancos y la manipulación de éstos, con un guión mordaz y muy ácido, pensábamos que ésta crítica convencería al jurado.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO: THE ATTACK
Este premio no estaba entre los oficiales y quisieron hacer una mención a esta película que ha sido una de las más controvertidas del festival.

Resumiendo, un palmarés muy repartido, que ha sido bien recibido por la prensa aunque habrá quien piense que con demasiado sabor español. Pero, creemos que el jurado ha querido solidarizarse con el cine español, sabiendo las horas difíciles que está pasando.
Una gran semana de cine, películas de muchos países, diferentes culturas, con un gran nivel en todas las secciones y que será recordado como uno de las mejores ediciones del Festival de San Sebastián en este 60 aniversario.

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CRÓNICA SAN SEBASTIÁN VIERNES 28

Durante el viernes vimos Cesar Debe Morire y después fuimos a ver The Hypnotist, que además de participar en la Sección Oficial a concurso, suponía el estreno mundial de la película.

En el Kursaal estaba todo preparado para la presentación de The Hypnotist de Lasse Hallström que suponía la última película a competición de la Sección Oficial y contó con la presencia del director y Lena Olin.

Hallström vuelve a Suecia para adaptar un famoso bestseller y deja atrás sus edulcoradas películas de Hollywood para ofrecernos un oscuro retrato en la línea escandinava de Millenium.

Lo primero que se le viene uno a la cabeza es la razón por la que esta película está entre la Sección Oficial, es la apuesta más comercial y convencional del festival, aunque tampoco tiene por que ser todo cine experimental ni comprometido, mientras exista calidad.

La película comienza de forma muy potente y terrorífica por la crudeza de sus imágenes, con escenas de violencia que a más de uno pueden poner los pelos de punta. Lo que ocurre es que la película llega un momento que se atasca y no sabe por dónde ir y una vez descubierto el pastel pierde todo el sentido y la capacidad de impresionar del primer notable tercio de la película.

El director que parece entregado en su primera parte, sorprendiendo por el cambio de registro y el que parecía a priori buen uso de los elementos del thriller psicológico acercando a la película a un oscuro relato de terror por asesino en serie de por medio. Pero, después se deja llevar por la inercia del relato y el guion y no es capaz de ofrecer nada más, de sorprender y la resolución del misterio resulta demasiado fácil e incluso tonta.

Rodada con agilidad, en ningún momento aburre, pero acaba resultando un thriller más de todos los que nos llegan todos los años a los cines, y nos hace preguntarnos si la elección de esta película para el festival era una mera cuestión de nombre y publicidad de cara a dar a conocer más el festival a nivel internacional. Olvidando este aspecto, un thriller bien armado más o menos, entretenido, que luciría más fuera de un festival de cine.

Puntuación: 6/10

Antes de The Hypnotist fuimos a ver Cesare Debe Morire(César debe morir) de los hermanos Taviani y que forma parte de la Sección Zabaltegui Perlas. Teníamos muchas ganas de verla por todos los buenos comentarios que estaba generando y todos lo premios que traía a sus espaldas, como el Oso de Oro del Festival de Berlín de este año.

La película rodada como un extraño documental comienza con la intención de representar en una cárcel “Julio César” de William Shakespeare y trasnforma a sus presos en los personajes de la obra, transformándolos con la cárcel como telón de fondo.

Una propuesta muy interesante en la que los directores juegan con el aspecto visual para ir adentrarnos el diferentes estados tanto de la obra de teatro como el de sus personajes, algunos de ellos presos de verdad. Y la fotografía en color salmón no puede ser más acertada para meternos en un relato que puede llegar a ser agobiante por la capacidad de interiorización que se observa en los personajes, que parecen haberse convertido en Julio Césr y Bruto entre otros.

La película consigue hipnotizar al espectador a través de los diálogos y la excelente imagen y a pesar de su corta duración consigue emocionar y comprobar que otro tipo de cine diferente existe, arriesgado, comprometido y con ganas de innovar sin perder el interés del espectador.

Puntuación total: 8/10

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CRÓNICA SAN SEBASTIÁN JUEVES 27

Después del día de huelga del miércoles que baño el festival con un toque descafeinado, con pocas películas y sesiones, volvemos a la carga. Si el martes nos tocó el día con la II Guerra Mundial de fondo hoy jueves es el turno del cine comprometido con Le Capital de Costa-Gavras y The Attack de Ziad Doueiri.

Primero fuimos a la presentación de Le Capital en el Kursaal, en la que estuvieron presentes director, el actor Gad Elmaleh.

La película sitúa a Marc, la mano derecha del presidente del banco francés Phenix, que tras descubrirse que su jefe tiene cáncer, le nombra como presidente. A partir de ahí, una complicada red financiera ayudada por la malsana ambición y avaricia del protagonista hagan que se maneje la economía a su merced, sin importarle nadie.

La película de Costa-Gavras llega en el momento oportuno y teje una ambiciosa historia donde se analiza la crisis desde un punto de vista diferente a quienes la sufren, aquí se retrata a los banqueros que han manejado a su antojo el capital y que con el único fin de enriquecerse a costa de los ciudadanos juegan a la economía sin importar las consecuencias que ésto conlleva.

Una historia de denuncia, con un toque ácido y mordaz, en la que no deja títere con cabeza y en la que retrata a muchas personas a las que podríamos poner perfectamente cara en la realidad.
Todo lo que nos cuenta su excelente guión son cosas y hechos que sabemos que ocurren y se hacen, pero lo que nos quiere avisar el director es de todo aquello que no sabemos, a las personas que están en la sombra y no salen en los periódicos.

Durante toda la película seguimos los pasos del protagonista, viendo la evolución que recorre, cada vez más ambicioso, déspota y falto de corazón. Aunque ese cambio quizás no se produzca en el personaje, sino que fuera un depredador esperando su momento para atacar.
Especie de Fausto post-moderno, donde el protagonista vende su alma al diablo (Gabriel Byrne), pero en la que puede que nuestro Fausto tenga más de diablo de lo que creemos al principio de la película.

Rodada con mucha agilidad, donde el humor, intencionado o no, ronda la película por lo absurdo de lo que vemos, que sin embargo es el día a día de la economía actual.
La peso de la película recae sobre su actor principal, que borda una actuación de primera, consiguiendo incluso que nos identifiquemos con este villano de la economía, aun sabiendo la repercusión que tiene en la sociedad todo lo que hace. Irónico, patético, duro y a la vez cómico, Gad Elmaleh ofrece una interpretación soberbia que perfectamente le podría hacer valedor del galardón a mejor actor en esta edición del festival.

Dura, ácida, cruel y realista; así es esta historia que su visionado debería ser obligado y eleva la calidad del festival, todo un acierto. Costa-Gavras vuelve por todo lo alto, y merece ser reconocido en el palmarés.
Puntuación: 8,5/10

Después del entusiasmo de Le Capital hemos ido a ver The Attack de Ziad Doueiri, que nos habla sobre el conflicto palestino-israelí. El recibimiento ha sido dispar, a unos les ha gustado mucho, y otros no tanto.

La película nos sitúa en Tel Aviv, donde un cirujano de prestigio recibe la noticia de que su mujer podría ser la responsable de un ataque suicida donde han muerto muchas personas, entre ellas niños pequeños. Decidido a no creer en lo que la policía le cuenta, decidirá cruzar el territorio en busca de la verdad, incuso adentrándose en una célula, haciendo todo lo que esté en sus manos solo por descubrir si la persona que más amaba ha sido capaz de cometer dicha atrocidad.

El comienzo es potente, piensas que estás ante una de esas películas que marcarán el año, incluso en tu mente empiezan a caerle premios. La historia es singular, comienza con fuerza, visualmente vibrante. Explora territorios inusuales, que te hacen pensar y te crea un debate interno muy interesante.

Pero, en el tercio final la película da un giro, y su retrato objetivo en el que intenta entender ambas partes del conflicto deriva en una moral ambivalente en la que se le ve sus intenciones. Su escondida justificación de los atentados hace que la supuesta objetividad y mirada crítica se diluya ofreciendo un discurso final que puede resultar incómodo dependiendo del espectador.

A pesar de esto, alguna que otra idea interesante se puede extraer, y al igual que en The Dead and the Living, nos plantea la pregunta de si es posible amar a un monstruo. Durante todo el metraje vemos cómo el protagonista lucha contra este sentimiento, sintiéndose culpable por el amor que ha tenido a su mujer, una persona que no sabía que detrás se escondía alguien que fuera capaz de matar.

Hay que decir que la película es interesante, que se ofrece al debate y que no esconde sus intenciones de incomodar, aunque el tercio final se decante más por un lado. Ali Suliman realiza una interpretación que ofrece mucha verdad y una mirada penetrante, que te hace que viajes con su dolor.

Puntuación: 7/10 

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¿Quién nos representará en los Oscar?

El jueves 27 se da a conocer la película que nos representará en la próxima edición de los Oscar.
Os contamos en este reportaje las posibilidades que tendría cada una y los inconvenientes para poder obtener la codiciada nominación, que ya en sí es un premio.



   

Las tres seleccionadas han sido "Blancanieves", "El Artista y la Modelo" y "Grupo 7". Os recordamos que el año pasado la escogida fue "Pa negre" y se dejó de lado a "La Piel que Habito". Al final no conseguimos la nominación, por eso ante la elección tienen que pesar cuestiones como el nombre del director y los actores, recorrido en festivales, si la historia podría interesar allí y no solo si es buena o mejor.

BLANCANIEVES de Pablo Berger
Para el que no lo sepa aún, la tercera versión del cuento en este año, está rodada en blanco y negro y es una película muda. Cuenta en su reparto con caras conocidas como Maribel Verdú, que ya sabe lo que es participar en los Oscar, como "Belle Epoque", "El Laberinto y el Fauno" o "Y tu mamá también".
Destacar que la película que se ha podido ver en el Festival de San Sebastián ha recibido muy buenas críticas por todo el mundo, y a los espectadores les está gustando.
Es una película singular, porque adapta el famoso cuento y lo transforma en una historia ibérica con flamenco, toros y mucho folclore español. Es muy entretenida, trágica y con puntos cómicos; muy bien rodada y con mucha fuerza visual.
Aunque a primera vista los académicos de Hollywood puedan ser un poco escépticos al ver una nueva adaptación en este año, que sea la elegida entre cientos de películas debería hacerles picar el gusanillo. Que sea muda puede ser un obstáculo o un handicap, después de que "The Artist" haya ganado este año. Pueden considerar que es una película que copia a la ganadora de este año, que empiece una nueva moda de cine mudo o sin embargo que le haya abierto el camino y después de comprobar que una película así en el siglo XXI puede entretener al público.
Está comprobado que los americanos les vuelve locos la cultura española y en esta película toros, flamenco y mantillas andan por doquier. Sería una gran representante.
Puntos a favor: el toque ibérico y folclórico
Puntos en contra: que la vean como una copia de "The Artist" y consideren que la historia de Blancanieves no es demasiado seria para dicha categoría, donde abundan los dramas

EL ARTISTA Y LA MODELO de Fernando Trueba
Trueba ya conoce lo que es ganar un Oscar con "Belle Époque" y este año ha sido nominado por "Chico&Rita" como mejor película de animación. De los tres candidatos es el más conocido allí y de cara a la publicidad y las campañas de los Oscar su nombre es un extra.
Pero, dejando aparte esta cuestión, la película que también se ha visto en la Sección Oficial a concurso del Festival de San Sebastián, donde ha recibido muy buenas críticas y comentarios.
Ha sorprendido el cambio que ha dado en su nueva película, rodada en blanco y negro, sin música durante casi toda la película, en la que asistimos al proceso de creación de una escultura y las conversaciones del artista y la modelo durante toda la película. Es ante todo una historia muy bonita, tranquila, con un regusto a cine antiguo que rebosa por todos sus costados y que además recuerda mucho a la Nouvelle Vague. Es una película que podría gustar mucho en Estados Unidos de cara a los Oscar, es la menos comercial de las tres que se presentan, pero la gran calidad de ésta prima sobre todo. El nombre de Claudia Cardinale y Jean Rochefort son puntos a su favor de cara a darse a conocer.
Recordamos que Trueba hace tres años fue el representante con "El Baile de la Victoria" y al final no fue elegida. El tema era muy diferente a ésta, pero podría hacer que algún académico español no votara en recuerdo a aquella.
Puntos a favor: cine de calidad con una historia muy bonita y Trueba detrás de la cámara
Puntos en contra: su aspecto de película demasiado cinéfila y poco comercial puede darle miedo a algún que otro académico.

GRUPO 7 de Alberto Rodríguez
La tercera película en discordia, es la que creemos que tiene menos posibilidades, nos recuerda mucho al caso de "Celda 211" de hace dos años. En aquella ocasión la película se presentó entre las tres candidatas y finalmente no fue elegida. Partía con muchos Goyas, éxito de taquilla y crítica, pero una historia negra con acción allí en Estados Unidos no es una novedad y como aquella ellos tienen 200 películas, unas mejores o peores pero que no les aporta nada nuevo.
Volviendo a "Grupo 7", la historia del grupo policial que limpia las calles de Sevilla de drogadictos y prostitutas antes de la Expo 92' resulta muy interesante, está rodada con mucha fuerza, el guión cuidado y su potencia visual son puntos a favor.
Nosotros creemos que si la eligen difícilmente sería nominada a los Oscar, pero puede dar la sorpresa porque de las tres es la mas moderna y si bien la lucha está entre las otras dos podría ser quien desempatara y se hiciera con la elección.
Ni el director ni los actores son conocidos, como le ocurría a "Pa negre" por lo que sería una película más difícil de darse a conocer en Estados Unidos.
Puntos a favor: la violencia y la potencia visual
Puntos en contra: una película de acción en los Oscar tiene poco que hacer en una categoría demasiado seria.

 Nuestra opinión: empezamos descartando y quitamos a "Grupo 7" porque creemos que es la que menos posibilidades tiene. Entre las otras dos, creemos que "Blancanieves" por su singularidad tiene muchas más opciones y además nos gustaría que fuera elegida. Aunque la verdad, es una decisión muy difícil.

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CRÓNICA SAN SEBASTIÁN MARTES 25

Hoy hemos asistido al estreno de The Dead and the Living de Barbara Albert y a la cita en el Kursaal ha asistido junto a su actriz protagonista Anna Fischer.

A pesar de que el título lleve a la confusión, la película ni es de terror ni aparecen zombis, sino que habla del terror del holocausto y de las consecuencias familiares que pudo acarrear.

La película nos sitúa a Sita, que tras el 95 cumpleaños de su abuelo descubre que éste formó parte de las SS. A raíz de esto comenzará un viaje por Europa en busca de la verdad, aunque lo que en realidad va en busca es de sí misma, de comprender de si es capaz de perdonar a alguien al que ama, de cómo la culpa puede afectarle incluso habiendo nacido décadas después de la 2ª Guerra Mundial.

Tenemos que reconocer que tras la decepción que tuvimos ayer con Foxfire, hoy íbamos con cautela, porque el argumento nos llamaba, pero podíamos encontrarnos cualquier cosa. Sin embargo, no ha sido así, sino que hemos salido maravillados por esta película austríaca.

Una película que comienza poco a poco para de repente atraparte con una historia que nos habla de la culpa que todavía se siente por el pasado de nazi, de cómo las generaciones posteriores de quienes participaron sienten la necesidad de conocer por qué su familia lo hizo, qué les motivaba para apoyar unos hechos tan inhumanos.

Estas cuestiones nos las plantea la directora a través de la mirada de su protagonista, que va recorriendo diferentes ciudades por las que vivieron sus abuelos, en busca de una verdad que en el fondo conoce y que le gustaría que no fuera así, y el sufrimiento que le produce haber amado a una persona que consideraba buena hasta el momento de saber que pudo ser un monstruo.

Durante toda la proyección nos vino a la cabeza la película The Reader de Stephen Daldry que abordaba, aunque un poco de lejos, éste tema, y el libro que adapta que aborda sí que trata estas cuestiones.

La idea que tenemos de la época nazi, con guardias malvados y médicos locos, y ahora la directora nos ofrece otro enfoque, aquellas personas que por diversas cuestiones como miedo, o búsqueda de un trabajo, fueron partícipes de aquello, o que simplemente no se atrevieron a alzarse contra tanta crueldad, ¿esas personas merecen el perdón?

Es una película que plantea muchas preguntas, algunas su repuesta la tiene el propio espectador y puede diferir, y tiene un gran trasfondo que nos ha entusiasmado.

Rodada con mucha fuerza, tiene una potencia visual increíble apoyada de una banda sonora perfectamente elegida y una fotografía que no te deja un segundo.

Destaca la gran interpretación de su protagonista Anna Fischer, que hace una construcción de su personaje muy intensa, y que bien le podría valer un premio en San Sebastián. Su mirada se penetra en el espectador y consigue que sientas el sufrimiento de su personaje al descubrir verdades horribles de su familia.

Una gran película, dura por el mensaje que nos lanza, intensa y con mucha fuerza, una gran acierto del festival de este año. No pasará desapercibida.

Puntuación: 8/10

En la rueda de prensa destacar que le han dado a la directora la enhorabuena los periodistas, han hablado de la herencia recibida por esta generación de nietos de participantes de la 2ªGuerra Mundial y cómo ellos tienen que perdonar y como ha dicho su protagonista hacerlo para no caer en los mismos errores.

Ha sido una rueda de prensa muy interesante, se ha preguntado si ha sido demasiado dulce la directora con el final y ha respondido que en sí la película pretende ser una historia de amor y cómo el viaje que recorre la protagonista le sirve para volver a su vida real.

Ha recalcado que la película trata más de la relación del padre y la hija, que con el abuelo de las SS, de cómo el padre afronta la historia familiar con el secretismo, convirtiéndolo en tabú, mientras que la hija expresa sus sentimientos y quiere conocer la verdad.

Al ser una película con toques biográficos al final han acabado preguntando más por el pasado del abuelo de la directora y cómo ésta ha afrontado el hecho de la película en sí.

Después, nos hemos ido a ver El Artista y la Modelo de Fernando Trueba que desde el domingo que se presentó no habíamos tenido la ocasión de ver hasta ahora.

Os recordamos que es una de las elegidas junto a Blancanieves y Grupo 7 para representar a España en la próxima gala de los Oscar.

La película nos sitúa al final de la 2ª Guerra Mundial a un artista que en la Francia ocupada, cerca de la frontera española, acoge en su taller a una exiliada española, que toma como modelo para su próxima escultura. Poco a poco se formará un profundo vínculo entre ambos, con el arte como telón de fondo.

Trueba rueda otra película inusual tras El Baile de la Victoria y la sorprendente Chico&Rita y da un salto al vacío con esta historia rodada en blanco y negro y en francés.

Puede que sea la película más arriesgada del director, y que sea precisamente la mejor de toda su filmografía.

Rodada con mucho mimo, con un ritmo suave más que lento, y con el amor al arte que se respira en cada uno de los preciosos planos de la película. Esta historia es ante todo una historia de amor, tanto al ser humano como al arte, a la naturaleza y Trueba nos lo muestra con un guión genialmente escrito junto con Jean-Claude Carrière, que parece ser literatura hablada con esos diálogos profundos y exquisitos.

Una propuesta valiente que deambula por una línea muy peligrosa, y que sin embargo sale victorioso el director, que no precisamente no pretende ser pretenciosa, sino una sencilla historia de amor.

Con la guerra como telón de fondo, vamos conociendo a los personajes poco a poco, y sin ser una historia complicada ni enredada consigue captar el interés del espectador, que quiera saber en todo momento qué será lo siguiente que ocurrirá en esta relación de amor platónico que surge entre un creador y su modelo, su mejor obra.

Artísticamente sobresale y la decisión de no contar con música durante toda la película hasta justo la escena final, demuestra que mientras que otras películas necesitan de la música para conseguir la profundidad y el sentimiento necesario (para eso están), aquí no era preciso y como podemos observar la intensidad de sus imágenes se bastan para disfrutar de una de las mejores películas del festival.

Con un grupo de actores totalmente entregado a la historia, desde una Chus Lampreave cómica y una Claudia Cardinale perfecta, el duelo interpretativo entre Jean Rochefort y Aida Folch resulta ser todo un caramelo, un regalo que no debería pasar inadvertido.

¿Rochefort mejor actor del festival? Por nosotros sí.

Puntuación final: 9/10

Se han presentado también hoy en la Sección Oficial All Apologies y The Attack. De la primera decir que ha ha dividido las opiniones, unas que es regular y otras que no está mal pero tampoco es una película que entusiasme.

De la segunda no os decimos nada dado que el jueves la veremos y ya os contaremos en más profundidad.

Resumiendo, un día muy buena de calidad en lo que hemos visto, con la 2 Guerra Mundial como protagonista, y pasado por la intensa lluvia de San Sebastián.

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CRÓNICA SAN SEBASTIÁN LUNES 24

Empezamos la semana (laboral) asistiendo a la presentación de Foxfire de Laurent Cantet que participa a concurso en la Sección Oficial del festival.

La sala 1 del Kursaal está a rebosar, y no es para menos, se ha creado mucha expectación con la nueva película del cineasta tras la alabada y laureada La Clase.
Al pase asisten el director y dos de las actrices Madeleine Bisson y Katie Coseni.

La película nos sitúa en la américa de los años 50 a un grupo de chicas que hartas de ser pisoteadas por los hombres crean una sociedad secreta que empieza como una gamberrada, haciendo pintadas y pequeñas venganzas con aquel que las trata mal.Pero, un tiempo más tarde acaban viviendo juntas y llevando al extremo su filosofía de descontrol, un viaje que no tiene vuelta atrás.
El relato es un llamamiento a la libertad, o eso pretende pero se queda en una película muy convencional, en la que cada momento sabes que es lo que va a ocurrir, no hay cabida para la sorpresa.
Tiene un arranque prometedor, pero el desarrollo resulta bastante trillado por un discurso excesivamente feminista, en el que supuestamente hace un canto a la liberación de las mujeres de las garras del hombre, para condenar a sus protagonistas a la tiranía manipuladora y bastante machista, aunque parezca que no, de su líder.
El tercio final se transforma en una película en una película de género negro, y es ahí donde se muestra más interesante, donde muestra que la utopía en la que viven las protagonistas no es factible y refleja el espíritu adolescente en la que se puede todo. Lo malo es que podría haber aprovechado para reflexionar, y sin embargo muestra un trasfondo poco moral.

 

Lo que más destaca es la interpretación de sus jóvenes actrices, que se dejan la piel en sus personajes, y destacamos sobre todo a su protagonista interpretada por Raven Adamson, que en su primera película, perfectamente podría alzarse con la Concha de Plata a la mejor actriz, a pesar de que su personaje resulte pesado y muy tedioso.
A pesar, la película no resulta aburrida y se puede ver y que tiene una gran recreación de la época, aunque en comparación con el resto de las películas que se han mostrado en la Sección Oficial, está muy por debajo.

Puntuación: 6/10

En la rueda de prensa han estado respondiendo las preguntas el director y las dos actrices, ha contado Cantent que este proyecto lo ve cómo una continuación a su trabajo de La Clase, a pesar de que le han preguntado más de uno por esta cuestión al señalar un cambio, pero él ha ratificado que sigue la misma línea, y que quería seguir ahondando en el universo adolescente.

A la salida de la proyección

Las actrices han destacado el gran trabajo que tuvieron que hacer de improvisación durante meses entre ellas, lideradas con el director, necesario para resultar creíbles y mostrar complicidad entre ellas.

La acogida de Foxfire ha sido un poco fría y en general se comenta que es la película más floja del director, y como punto fuerte tiene la interpretación de su protagonista que bien le podría valer un premio.

La otra película que se ha presentado, aunque no la hemos visto, pero hemos estado preguntado por ella, ha sido Venuto alMondo de Sergio Castellito, y no ha recibido precisamente buenos comentarios. Desde abucheos, hasta que es la peor película de este año y de otros muchas ediciones, que si ha tenido pitidos por parte de la prensa. Ya juzgaremos nosotros mismos. Lo que sí ha generado noticia, no ha sido precisamente la interpretación de Penélope Cruz, sino su participación en la continuación de La Niña de tus Ojos de Fernando Trueba, que también andaba hoy por el festival con su El artista y la Modelo.

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CRÓNICA SAN SEBASTIÁN DOMINGO 23

Después del intensivo que hicimos ayer, hoy hemos ido a ver solo una película, A LINHAS DE TORRES de Valeria Sarmiento, aunque hay que decir que duraba tres horas.

La proyección de la película suponía el estreno mundial de ésta y para la ocasión estaban presentes tanto la directora como el productor y gran parte del reparto, entre ellos Catherine Deneuve e Isabelle Hupert.

Muchos pensarán que ya tuvo un estreno en el Festival de Venecia, y es cierto, pero se presentó la versión reducida para los cines que se llama “A Linhas de Wellington” y aquí hemos visto la versión íntegra para televisión.

La película era un proyecto original del cineasta Raúl Ruiz, director portugués fallecido el año pasado, y la directora Catherine Sarmiento recoge el testigo y convierte la película en una mini serie de tres horas para televisión, que aquí se ha mostrado de un tirón y sin descansos.
Dividida en tres partes(Después de la batalla, Tierra quemada y Torre Vedras) nos cuenta cóo se sucedió el final del intento de invasión de Portugal por parte del ejército de Napoleón, y la resistencia del ejército luso junto a las fuerzas inglesas lideradas por Wellington.

La película sigue el recorrido de una gran cantidad de personajes tanto portugueses como franceses e ingleses.

Aunque esté rodada con la intención de mostrarse en tres partes en televisión, la calidad de la producción es excelente y en ningún momento se tiene la impresión de estar ante un producto televisivo, aunque el ritmo y el tempo se ajuste a los parámetros que dictan las mini series.
Rodada con mucho cuidado, apoyada en un guión muy bien escrito y dando a sus personajes protagonistas la misma importancia. Todos muy bien interpretados por el conjunto de actores que forman parte de la película.

La gran factura técnica es uno de los puntos fuertes de la película apoyados a su vez en una bonita partitura escrita por Jorge Arriagada que consigue apoyar unas imágenes con algún que otro momento emotivo.
Una gran película de la sección Zabaltegui Especiales.
Puntuación:7,5

Por la mañana fue la rueda de prensa con el productor, Valeria Sarmiento y parte del elenco, aunque no estaban ni Catherine Deneuve ni Isabelle Huppert, y como han indicado y hemos podido comprobar en la película, la participación de éstas no era más que un cameo, como homenaje a Raúl Ruiz, por eso los que estaban eran los actores con papeles de mayor importancia en la película.

Foto que hemos hecho al elenco justo al salir de la proyección

Se ha hablado mucho de Raúl Ruiz, y de cómo todos veían la película como un homenaje al fallecido director, y que todos los que habían trabajado con él querían participar. Además, señalar que la directora nos ha contado cómo ha afrontado la película sin contar con Raúl Ruiz, al cual tenía presente durante todo el rodaje, y que siguió alguna de las indicaciones que tenía el director, como en la música.

Han recalcado por parte de la prensa el gran trabajo de investigación por el gran rigor histórico de la película.

El productor ha contado que se estrenará en Portugal el 5 de octubre y en Francia el 21 de noviembre y que su presupuesto de 3,5 millones no habría sido tan bien aprovechado si no fuera por la gran implicación de todo el equipo y de los actores.

Esta tarde se ha presentado “El artista y la modelo” de Trueba y lo que se escucha de momento es que ha tenido buenos comentarios, a nosotros nos toca el martes así ya os contaremos más en profundidad.

También se ha presentado “Dans la maison” de François Ozon de la que solo hay elogios y se empieza a comentar como posible ganadora del máximo premio, pero todavía quedan muchas películas por delante, así que todavía es pronto.

Ayer se presentó “El muerto y ser feliz” de Javier Rebollo, que no ha entusiasmado demasiado y se le achaca encima los excesos de su voz en off.

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CRÓNICA SAN SEBASTÍAN SÁBADO 22

Hoy es nuestro primer día de este 60 Festival d San Sebastián y nos pegamos el madrugón para ver la primera proyección de "Blancanieves" a las 9 de la mañana, que coincide también con "Argo" de Ben Affleck. Pero, hemos tenido que elegir porque nos urgía más ver la primera de cara a que el día 27 se elige la representante española para la próxima edición de los Oscar, entre las que se encuentra la película que vamos a ver.

La sala 1 del Kursaal completa para ver Blancanieves, a pesar de las horas, hay una gran expectación.La película de Pablo Berger es una muy grata sorpresa, original donde las haya, que consigue reinventar el famoso cuento de los hermanos Grimm y transformarlo en un trágico y divertido a la vez relato ibérico.A pesar de que el recurso del cine mudo y en blanco y negro ya no es tan original como debieron pretender en un principio, The Artist tiene toda a culpa, consigue atrapar al espectador y emocionarlo.Estamos ante una gran película que eleva el nivel del festival de este año, donde el cine de los orígenes se fusiona a la perfección con los ritmos flamencos, ofreciendo toda una disección de los mitos y tópicos patrios, pasando desde los toros, la religión, el orgullo y la vergüenza.    Tras un año de versiones del mismo cuento, hay que decir que a la tercera va la vencida y Berger se lleva la palma, ofreciendo algo diferente, cambiando la historia con mucho desparpajo, bajo una muy cuidada producción donde destaca la impresionante partitura de Alfonso Vilallonga.Hay que destacar el gran trabajo de todo el elenco, desde una Maribel Verdú en su salsa ofreciendo una malvada divertida, irónica y muy sexy, demostrando que ha disfrutado el papel.Pero, las que más lucen son las que interpretan a Carmencita alias Blancanieves, la pequeña Sofia Oria y la prometedora Macarena García, que consigue atrapar al espectador con su mirada, dulce y apasionada y promete ser una de las caras más interesantes de los próximos años.Puntuación:8.5/10

Después de la primera película, fuimos a desayunar y pasear por San Sebastián a la espera de la hora de la comida y tomar los famosos pinchos, y nos cruzamos por la calle a Ernesto Alterio que presenta la película Infancia Clandestina y a José Coronado que presentó la gala de inauguración junto a Bárbara Goenaga y Cayetana Guillén-Cuervo.


A las 16.15 fuimos al cine Príncipe a ver The Bay de Barry Levinson que participa en la sección Zabaltegui Perlas.La película habla a modo de falso documental de una epidemia en un pueblo costero en Estados Unidos, siguiendo el hilo conductor de una estudiante de periodismo. A través de grabaciones de seguridad ,de video aficionados, Skipe, móviles y demás soportes asistimos a la carnicería en la que se convierte la plaga.La película tiene un buen arranque, crea muchas expectativas, y pretende tener un fondo a través del mensaje que quiere lanzar, la crítica al mirarse al ombligo de Estados Unidos, la obsesión del terrorismo, el peligro de la contaminación, la manipulación política y muchos más temas. Resulta interesante hasta el punto que al director se le va completamente de las manos y nos ofrece una película de terror, abusando de imágenes demasiado explícitas y algún que otro susto demasiado gratuito. El influjo de la saga Rec huele a kilómetros, y no solo en que la protagonista sea una periodista que se encuentra en una epidemia en la que los afectados se comportan como zombis, sino en el uso y abuso del susto más convencional.A pesar, la película consigue momentos muy tensos y agobiantes y ofrece alguna que otra reflexión interesante.Señalar que los subtítulos estaban mal sincronizados, o se adelantaban o se atrasaban, esto en un festival serio no debería ocurrir.Puntuación: 5.5

Tras el mal cuerpo que nos han dejado algunas imágenes de The Bay, cenamos algo rápido y nos metemos en el Kursaal a ver Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas que ganó en el Festival de Cannes a la mejor dirección y aquí concursa en la sección Horizontes Latinos donde al final se hará un coloquio con la actriz Nathalia Acevedo.Básicamente la película gira en torno a una familia y a través de flashbacks, fast forwards y sueños asistimos a las obsesiones del director. Es difícil decir exactamente de qué trata la película, para poder entenderlo hay que verla, pero al final acabas por ni saber de qué va.Durante 2 horas vemos como escenas inconexas de una familia pasan por delante intercaladas con bellas imágenes de naturaleza apoyadas en una bonita fotografía. Película de difícil digestión en la que escenas que carecen de todo el sentido, que no ofrecen ningún tipo de conexión con el resto intentan hablar de algo tan básico como la familia, o eso por lo menos os lo que hemos creído entender. Porque el director no nos lo pone fácil y nos "regala" secuencias en las que un diablo rojo neón llega a una casa (¿la suya después del trabajo?),un partido juvenil de Rugby y un sin fin de escenas que consiguen desorientar al espectador. A pesar de ello, una vez que consigues adentrarte en la historia de la familia se puede disfrutar de alguna que otra escena conseguida como en la que la protagonista le toca al marido convaleciente una canción al piano mientras canta lo mejor que puede.

El problema fundamental es que las pretensiones de desconexión con el cine más convencional le han jugado una mala pasada y parece que se le ha ido la mano haciendo que o la aborrezcas o te dejes atrapar por en ella.La película nos ha creado muchas dudas, preguntas y nos ha desconcertado, también hemos apreciado y disfrutado las imágenes de naturaleza. Pero, ante todo ha conseguido que lleguemos a un debate sobre ella, no sé si es la intención del director o simplemente ha ocurrido porque sí, pero no es una película que salgas del cine y como si nada.Destacamos el gran comienzo, con unas imágenes muy bonitas y la gran entrega de los actores, sobre todo de los dos protagonistas Adolfo Jiménez Castro y Nathalia Acevedo.Después en el debate, se han planteado alguna de estas cuestiones como qué significaba el diablo, los jugadores de Rugby, qué conexión tenía la película con cada una de las escenas.La pobre actriz ha podido responder lo mejor que ha podido, porque no es su película y quién mejor lo haría es el director sin duda, pero ha querido transmitir que es una película difícil de ver, que el director esta rompiendo con las reglas del cine más lineal creando un nuevo concepto. Además, que la película se presta a muchas interpretaciones, todas muy personales y que el director ha plasmado muchas vivencias suyas. Destacar que no recibió el guión hasta bien entrado el rodaje. Con mucha simpatía ha agradecido que nos quedáramos al coloquio, pues en otras proyecciones ha comentado que los espectadores huían rápidamente al acabar la película(en la nuestra lo ha hecho la mitad de la sala)Resumiendo, una película difícil de digerir, con alguna que otra idea y secuencia interesante que hemos podido disfrutar, pero que arriesga demasiado y el espectador debe luchar mucho para no desesperar. Comprendemos quien haya visto en ella una tomadura de pelo, es una reacción totalmente razonablePuntuación total:6/10

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SOMOS LA NOCHE "y desfasamos a tope"

Desde Alemania llega una nueva interpretación del mundo de lo vampiros,de la mano de Dennis Gansel, director de "La Ola", que además ganó el premio especial del jurado en la Festival de Sitges de 2010, donde tampoco emocionó demasiado y fue bastante criticado el premio.

En la Alemania actual, Lena (Karoline Herfurth) es una joven problemática que se dedica a robar. Una noche acaba en una extraña discoteca, donde a Louise (Nina Hoss), una vampira que se encaprichará de ella y decidirá en convertirla. Junto a dos vampiras más, Lena se iniciará en un mundo extraño y violento, lleno de anarquía y muerte, a la vez que la policía siga los rastros de muertes que van dejando.

Después de la muy estimulante "La Ola", sorprende el cambio de registro del director, que tras una película con un trasfondo tan filosófico con alas de estudio sociológico, ahora se decante por esta gamberrada, sexy, sí, pero que en su conjunto dista mucho de aquella película.
A pesar de ello, la película intenta dejar en el aire alguna que otra idea sugerente: la violencia como forma de vida, el anarquismo, o la lucha entre lo correcto o el hedonismo sin consecuencias; todo ello empañado por un pseudo feminismo de libro, que hacen que alguna que otra escena roce lo ridículo con su discurso.

A pesar de todo esto, la película posee de una gran fuerza visual, y es ahí donde el director se siente más cómodo, dejando al lado los intentos filosóficos, y lanzado al abismo de la acción y el gore, consigue ofrecer una película entretenida, con momentos de acción muy conseguidos, apoyándose en una excelente fotografía y en unos efectos especiales que no tienen nada que envidiar a los del cine americano.
Hay que valorar, el esfuerzo por ofrecer una película de un género tan manoseado y destrozado como es el de los vampiros, y aporta algún que otro punto fresco a la mitología de dichos seres, que  se muestran simpáticos. Por lo que la película goza de un gran empaque, en el sentido, de que la producción no desluce, pero esto no es suficiente como para convencer a un servidor, que se siente aturdido de tantas idas y venidas de discotecas, tanto grunge y tanto discurso feminista.

Destacar que precisamente la historia de amor entre la protagonista y el policía (Max Riemelt) resulta a pesar de todo, de lo más interesante de la película, salvando las distancias y la cursilería que emana "Crepúsculo". Además, ambos actores, tanto Karoline Herfurth como Riemelt, destacan sobre el resto del elenco, junto con Nina Hoss, que parece disfrutar de su papel de vampira sexy y malvada. El problema son las otras dos vampiras, interpretadas por Jennifer Ulrich y Anna Fischer, que resultan sus personajes una mera escusa para que las dos primeras no acaparen todo el protagonismo, pero que al estar tan disdibujados sus personajes, apenas consiguen lucirse y resultan entre pesadas y planas, por partes iguales.

Una película entretenida, que como mero divertimento sirve, aporta alguna que otra idea interesante y hará las delicias de todo fanático y devorador de historias de vampiros postmodernos, pero que no ofrece nada más, pues rápido se olvida y no permanece en la mente del espectador.

+ La fuerza visual 
- La falta de encontrar algo más allá, lo plano de su discurso

PUNTUACIÓN TOTAL: * *

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TOTAL RECALL "¿por qué?"

Año tras año los cines se llenan de remakes con la misma velocidad que las mentes de Hollywood se quedan sin ideas originales, ahora toca el turno de versionar/copiar al clásico futurista de los noventa de Paul Verhoeven de mismo título.

En un mundo futurista, Douglas ( Colin Farrel ) es un trabajador que se siente que su vida no tiene sentido. Tras utilizar los servicios de la empresa Rekall, que convierte los sueños en recuerdos, se convierte en el objetivo número uno de un estado totalitario.

Siendo claros, uno se hace la pregunta, ¿era necesario una nueva/igual versión de la original? Los productos debieron pensar que ante una película buena como fue la primera, con un gran presupuesto y un director solvente ante películas de acción con grandes dosis de efectos especiales, no les quedaría más que ganar dinero. No es por pensar mal, pero no puedo más que imaginar esta razón para justificar dicho horror.

Escrito entre siete personas, debieron pensar que copiar literalmente el original con algún que otro toque, sería suficiente, que el resto lo haría el director. Pero, no: ni los excelentes efectos especiales ni el ritmo frenético que Len Wiseman se empeña en dotar a la película, consiguen salvar los muebles de una película que nacía ya muerta.
Wiseman, creador del universo "Underworld", de las cuales solo se salva la primera, que era una película muy interesante, y la notable "La Jungla 4.0", recoge el testigo de Verhoeven, pero se le observa incapaz de aportar nada nuevo. Ni los constantes intentos de dar profundidad al conjunto, ni como ya hemos dicho, el frenético ritmo, resultan interesantes.
Es más, parece abandonarse a la acción y los efectos y por lo menos pasar rápido el trance, y nos deja una película que ni interesa y no hace más que engrosar la lista de remakes insulsos e innecesarios que jamás pasarán a la historia y que hacen caer carreras, tanto de directos como de actores.

Ante tanto sinsentido tenemos a un Colin Farrel, que no es precisamente lo peor de la película, pero que en ningún momento llega a creerse nada de lo que ocurre, pero que parece disfrutar la presencia de las bellas damas con las que comparte cartel. El problema es que ellas sí que se encuentran más perdidas que el protagonista. Kate Beckinsale resulta pesada y tediosa por momentos, con una sobreactuación digna de manual y Jessica Biel le han dado un papel tan mal escrito que poco puede hacer más que poner morritos. Eso sí, verlas pelear por lo menos hace que no te grites a tí mismo cómo pudiste tirar el dinero que gastaste en comprar la entrada de la película y, ¡que el IVA nos pille confesados!

+ Visualmente intenta aportar algo más al original
- Es un completo horror

PUNTUACIÓN TOTAL: *

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