PASOLINI "las bajas pasiones"

Este fin de semana se estrena en España "Pasolini" de Abel Ferrara tras su paso por los Festivales de Venecia y San Sebástián, ahí fue donde nosotros tuvimos la oportunidad de ver en la Sección Perlas. Ahora rescatamos la crónica de San Sebastián y la adaptamos como crítica para el estreno de la película que recrea el último día de vida del controvertido y escandalizador director italiano.

Muchas ganas teníamos de ver esta singular propuesta de la que se venía hablando mucho desde su paso por el Festival de Venecia. El último día en la vida del genio italiano se antojaba como una perita en dulce para la segunda jornada del festival.
Sin embargo, bajo todo esa maquinaria de documentación y recreación histórica no se esconde más que un trabajo excesivamente academicista, bien llevado a cabo, pero con una gran falta de personalidad e imaginación que por mucho que integre secuencias oníricas y inconexas con la trama del asesinato, no logran estar ni a la altura del biopic que se merece Pasolini ni de la carrera de Ferrara.

La película está rodada como un pulcro documento gráfico en el que se recrean las palabras y movimientos del malogrado director, en el que se detalla al minuto cómo vivió el que supuso el último día de vida de Pasolini. A pesar de ese esfuerzo de documentación, Ferrara es consciente que para llegar al alma del director debe adentrarse en sus obsesiones, en su mente. Para lo cual nos presenta lo que sería la última película que hubiera rodado el director si hubiera podido y de esta forma nos ofrece imágenes de cómo hubiera resultado dicha obra. Sin embargo, ni la imagen ni la inclusión de alguna escena con sexo consiguen que dicho retrato se acerque a lo que el director hubiera imaginado, resultando un vago y perezoso homenaje que desvía la atención de lo que en realidad trata la película, la muerte de Pasolini.


Un exceso de respeto al mito, a la persona o quizás miedo al atrevimiento huele durante toda el metraje de una película que finalmente no consigue que conectemos con una serie de numerosos personajes que se pasean por la pantalla, cada uno hablando o un idioma diferente o mostrando una mezcolanza de acentos que no hacen más que pensemos en los problemas que a veces suponen las coproducciones. Además, el maniatado guión no permite, a excepción de Pasolini, que ninguno de estos políglotas personajes ofrezcan demasiado a la trama, entrando y saliendo de la película sin ofrecer ningún tipo de matiz.

No es una película mala, sin embargo sus formas tan excesivamente premeditadas y el gran error lingüístico de la película hacen que no estemos de su parte y conectemos con lo que podría haber sido un gran homenaje al director italiano.

Destacar la profunda y congeladora interpretación de Willem Dafoe, que supone lo mejor de la película, capaz de asumir un personaje complejo y a pesar de contar con algún que otro discurso que se antoja como un capricho para su lucimiento, construye un personaje a través de las miradas y las contrariedades que formula.

Lo Mejor: Willem Dafoe, su mirada.
Lo Peor: el excesivo respeto y miedo a ofrecer algo diferente.

PUNTUACIÓN TOTAL: ★ ★ y 1/2

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MIS HIJOS "en medio del conflicto"

Este fin de semana se ha estrenado en España la película “Mis Hijos” de Eran Riklis, director de la aclamada “Los Limoneros” con el marco del Conflicto de Oriente Medio como telón de fondo para contarnos la historia de amor y superación.

Eyad es un joven que vive en una ciudad árabe de Israel hasta que llega el día en que lo envían sus padres a un buen instituto en pleno Jerusalén. Allí su vida cambiará al concocer lo que es enamorarse de una chica judía y al conocer a un joven inválido y a su madre.

Cuenta Sayed Kashua, guionista de la película basada en la novela que escribió sobre sus propias vivencias, que para afrontar la escritura del guión de “Mis Hijos” decidió suavizar ciertos pasajes de la novela. Muchos se preguntará el por qué de dicha decisión al abordar una película que nos narra durante 10 años parte del conflicto de Oriente Medio. Seguramente la razón resida en que la intención de llevar esta película a la pantalla no sea el mostrar de forma directa el terror y la crueldad de la guerra, sino todo lo contrario, mostrar la vida de alguien que ha nacido en medio de una situación que le supera y cómo lo único que busca es seguir adelante y sentirse aceptado por las personas con las que vive independientemente de su raza, religión y lengua.

La película hace un recorrido emocional del que pretende hacer partícipe al espectador y comienza con el retrato de una familia árabe con sus costumbres de una forma casi cómica, con puntos de humor, para ir poco a poco entrando en materia y poniéndose más seria y cruda. El momento que marca ese punto de inflexión es la partida del joven protagonista a un instituto judío de Jerusalén, donde tendrá que hacer frente a los prejuicios de sus compañeros y ambiente. Sin embargo, “Mis Hijos” no pretende ser un retrato escolar sobre el bullying y los problemas de la adolescencias y la película toma dos líneas argumentales diferentes que narran el amor imposible entre dos personas de religiones diferentes (¿guiño a “Romeo y Julieta?) y la amistad con una familia integrada por un joven con una enfermedad degenerativa y la madre de éste.

A partir de ahí es donde la película sin perder en ningún momento la esperanza y sin privar de la sonrisa al espectador, comienza a tomar ritmo y descubrimos hacia dónde quiere ir. Es por ello que “Mis Hijos” resulta un agradable drama con toques de comedia que nos habla sobre el absurdo sinsentido de las disputas entre personas, sobre el legado que verdaderamente dejamos a esos hijos y cómo de una manera u otra influimos en ellos para repitan los mismos errores que nosotros, ¿todo vale por una idea, una tierra?

Sin ser la película más políticamente incómoda y crítica con el conflicto en el que se mueven sus protagonistas, Eran Riklis no pierde la oportunidad para afilar y lanzar alguna que otra flecha a ambas partes del conflicto, usando  para ello algo tan sencillo como la mirada objetiva, acercarse hacia ambas partes y observar, dejar que sus acciones y palabras hablen por sí solos, que sea además el espectador el que decida en qué erran cada una de las partes.

A pesar de todo, la película respira un profundo amor al ser humano, siendo una oda al entendimiento mutuo, mostrando que las personas a pesar de ciertas convicciones son capaces de ofrecer una cara diferente a la habitual y ayudar a personas que nunca hubieran pensado hacerlo.

+ La sutileza en ir derivando el relato de género.

- Algún personaje secundario algo caricaturizado.

PUNTUACIÓN TOTAL: ★ ★ ★ y 1/2

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OCHO APELLIDOS VASCOS "un año después"

Muchos se preguntarán al comenzar a leer eta crítica por qué estos de "La Industria del Cine" escriben la crítica de la película más taquillera de la historia del cine español un año después de estrenarse en cines. En su momento no lo hicimos y creemos que qué mejor momento que este justo en el mismo fin de semana que se estrenó "Ocho Apellidos Vascos" y así formar parte de nuestra Sección "Cine de Andar por Casa".

Cuando escuchamos el nombre de Martínez-Lázaro nos viene a la mente la palabra "comedia ligera" y es que el director es fácilmente uno de los mejores directores de comedia de este país, aun así cuenta con algún que otro interesante filme de suspense. Aunque la carrera del director se ha movido siempre más cómodamente en el difícil territorio de la risa y se ha servido siempre de ésta para acabar hablando de temas más personales, nunca desaprovechando la ocasión para hacer un análisis de las relaciones de pareja, la madurez o como en esta película desmitificar los mitos y costumbres de vascos y andaluces.





Para afrontar la película Martínez-Lázaro se basa en el guión de Borja Cobeaga y Diego San José, dos reconocidos guionistas con sus inicios en el programas de sketches sobre vascos "Vaya Semanita" en la televisión autonómica ETB, ya valientes en su momento por afrontar un tema hasta ahora muy delicado y controvertido. Muchos espectadores que hayan visto "Ocho Apellidos Vascos", si es que queda alguno todavía que no lo haya hecho, reconocerán personajes y situaciones o incluso algún que otro chiste ya visto en el programa televisivo, pero ahí es donde Martínez-Lázaro mete mano para unir, dar ritmo y adecuar la innumerable lista de gags al lenguaje cinematográfico.
Y es que el director es todo un maestro en lo de recoger el papel escrito por otro y adaptarlo a su mun do y obsesiones, algo que dota a "Ocho Apellidos Vascos" de la personalidad característica del director.

La película podrá ser fácilmente visionada como una comedia más donde en una hora y media sus dos protagonistas tendrán que enfrentarse a disparatadas situaciones. Sin embargo, en las risas nerviosas y cortantes que a más de uno le puedan emanar de su garganta se esconde una película valiente que se atreve a tocar temas políticos y sociales que hasta el momento parecía sólo destinados a películas de corte más serio, más comprometido. Pero, qué mejor compromiso con un asunto tan importante en la sociedad española que hablarlo de la manera más natural. Ahí está el gol que mete esta pequeña producción, su naturalidad, su falta de vergüenza (en el mejor sentido de la palabra) para abordar temas como la política y el terrorismo que fácilmente podrían levantar ampollas. 

A pesar de todo, Lázaro-Cobeaga-San José se atreven con todo y parecen no tener "pelos en la lengua", no reprimiendo en ningún momento un solo chiste, por mucho que pudiera parecer estar envenenado. Porque es precisamente todo lo contrario, la falta de veneno que corre por las venas de esta película, el amor que profesa por las costumbres y tradiciones tanto de vascos como andaluces hacen que esta sea la mejor forma de afrontar tabúes y clichés demasiados arraigados en la imaginería de este país, nunca fue más útil reírse de nosotros mismos.

Y como comedia romántica de enredo que en el fondo es, Martínez-Lázaro sabe jugar bien sus cartas y le imprime un ritmo que va de menos a más, a pesar de algún que otro bache en el tercio final de la película. Para ello haciendo uso de un conjunto de actores entregados a su papel que dotan de naturalidad a sus personajes gracias a que se les ve disfrutando, algo muy importante para poder conseguir la química necesaria para este tipo de películas.

"Ocho Apellidos Vascos" sin ser la mejor comedia española, ni la mejor obra de la filmografía del director, pasará a la historia no sólo por el record de taquilla sino por la valentía en que sus guionistas y director han tenido a la hora de tocar temas "peligrosos" de la manera más seria que sabemos hacer en España, con la comedia.

+ Su natural desvergonzonería.
- No mantiene el listón y el ritmo por igual en todo el metraje.

PUNTUACIÓN TOTAL: ★ ★ ★  

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NEGOCIADOR "la lucha del miedo con humor"

Borja Cobeaga estrena su tercer largometraje tras las comedias "Pagafantas" y "No Controles" y tras el éxito como guionista de "Ocho Apellidos Vascos" donde dejó su huella con grandes chistes sobre vascos y andaluces, ahora se adentra en un hecho real como la negociación entre el Gobierno y ETA en 2005 de la forma que mejor sabe hacer, con la risa. 

La tercera película de Cobeaga se presentó en el marco del Festival de San Sebastián, aunque no con la valentía de incluirla en la Sección Oficial, sino en la Zabaltegui. Aun así fue una de las grandes sorpresas del festival y una de las mejores películas que se proyectaron. Ahora llega a los cines esta típica comedia que ficciona, o más bien versiona, uno hechos grises como la negociación con ETa para darle un giro radical y convertirlos en una comedia. Pero, que nadie se lleve las manos a la cabeza, ¡que nadie se asuste! El que Cobeaga haya rodado una comedia con aquel telón de fondo no significa para nada que se haya tomado a broma un asunto tan delicado y peliagudo como el que retrata la película.

Una de las reflexiones que uno puede hacerse durante el visionado de "Negociador" es si trata sobre ETA y asuntos de Estado. Seguramente trate de todo eso, pero no es lo que Cobeaga parece haber pretendido contar porque esta película, más allá del marco en el que se sitúa, nos habla de la estupidez humana, en cómo dos personas o dos colectivos no pueden poder llegar a un acuerdo, aparcar sus diferencias, pensar que tienen más en común de lo que creen y por una vez ponerse de acuerdo, incluso necesitando mediación de alguien que seguramente comprenda menos aun qué es lo que les ocurre.

Sin embargo, Cobeaga no pretende ponerse demasiado serio a priori, eso no le pega, sino que nos ofrece un festín de chistes, situaciones y malentendidos lingüísticos divertidísimos de los que son cómplices Ramón Barea y Josean Bengoetxea que le ponen el rostro al político socialista y etarra respectivamente, magníficamente interpretados por ambos y mención especial a un Barea que una vez más demuestra ser uno de los grandes actores del cine español con una interpretación que pasará a la historia de nuestro cine gracias al patetismo y la mirada honesta que le imprime al protagonista de esta farsa. Gracias a un guión hilarante, inteligente y sobre todo muy valiente, Borja Cobeaga va diseccionando un problema tan importante en la sociedad tanto vasca como española, de forma en que su agudeza da un paso más allá y encontramos tras cada personaje, cada gesto y cada gag una auténtica y profunda reflexión. De esta manera no pierde el director la oportunidad de ofrecer su punto de vista, de mostrar hasta qué punto las personas pueden llegar a resultar auténticos idiotas y que son más cosas las que nos unen que las que nos separan.

Quizás a toda esa simple complejidad de diálogos que emanan de un guión muy inteligente se le pueda echar en cara que al igual que en sus películas anteriores el empaque visual del conjunto de la película resulta poco imaginativo. Algo que le perdonamos a una de las películas más valientes e inteligentes del cine español, que ha sabido acercarse al problema del terrorismo y ETA como nadie lo ha hecho hasta este momento con tanto drama y thriller que ha visto nuestra cinematografía pasear sin excesiva gloria intelectual.

+ Su humor inteligente y Ramón Barea.
- Las películas de Cobeaga no acaban de lograr una buena estética y empaque visual.

PUNTUACIÓN TOTAL: ★ ★ ★ ★ 

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MAPS TO THE STARS "ardiente camino de perdición"

David Cronenberg estrena en España su última película de la mano de un espléndido reparto encabeza por una Julianne Moore que ganó la Palma de Oro en Cannes a la Mejor Actríz, Mia Wasikowska, Robert Pattison y John Cusack.

Una actriz en horas bajas, un reconocido terapeuta, un adolescente estrella del cine, un conductor de limusinas aspirante a actor. Todos viven en Hollywood y su superficial vida dará un giro cuando haga acto de presencia Agatha (Mia Wasikowska), una chica recién salida de un psiquiátrico que guarda más relación con todos de lo que desearían.

¿Qué puede haber más brillante y atractivo que la fama? ¿Qué hay detrás de toda la parafernalia? ¿Cómo rellenan las estrellas sus vidas cuando no son el centro de atención? 
Estas y otras preguntas se cuestiona David Cronenberg en su última película/perversión cinematográfica. Nos sitúa a un conjunto de personas que viven en una ciudad de Los Ángeles que no había sido filmada de una forma tan aterradora previamente. Y no precisamente porque muetre el lado oculto de la ciudad, miseria o pobreza, sino todo lo contrario, nos muestra una sociedad excesivamente rodeada de lujos superfluos y a una serie de personas que los disfrutan y que sin embargo no se dan cuentan de la vida tan infeliz que llevan debido a una mala concepción del sentido de la vida.

Es este sentido de la vida en el que Cronenberg quiere lanzar sus ácidos dardos, que atacan a la obsesión por la falsa y efímera fama, la belleza y la juventud, centros del universo alrededor de los que giran la mayoría de las personas que viven dicha pantomima. Pero, para desbarajustar esas pulcras y milimétricas vidas introduce un personaje perturbador, interpretado por la cada día más sorprendente si cabe Mia Wasikowska, que hará que sus vidas se rompan por completo.

"Maps to the Stars" resulta un macabro y si acaso divertido (?) juego que sitúa a Cronenberg en lo más alto, pudiendo no ser ni su mejor película ni por la que pasará a la historia, pero demuestra que es capaz de seguir atormentándonos una vez más. Con un pulso narrativo firme, no vacilante y que no da puntada sin hilo, consigue meternos en ese mapa que más bien parece un enrevesado laberinto en el que los diversos caminos acaban cruzándose y Cronenberg realiza una disección sobre la esquizofrenia. La esquizofrenia no solamente en el sentido de enfermedad mental, sino la esquizofrenia como estado de ilusión hiper-surrealista en el que sus personajes han decidido vivir y por lo tanto han acabado perdiendo el completo sentido de la normalidad y la cordura.

Para poder llevar a cabo todas sus teorías utiliza como guía de ruta la escritura de Bruce Wagner, alguien que ya ha indagado en la manzana (podrida) de Hollywood, de esta forma Cronenberg con su característico y pulcro estilo visual rueda un relato que en algunos momentos y sobre todo en los más sobrecogedores,nos recuerda en exceso a la magnífica "Mulholland Drive" de David Lynch, con incluso algún paralelismo en la partitura escrita por Howard Shore. A pesar, de todo esto y salvado alguna que otra distancia, no es algo que pudiera importar, dado que tanto la una como la otra no están contando nada nuevo sobre el mísero mundo de la fama y el dolor que conlleva. Lo que resulta peculiar y agradable es la mirada que le ha imprimido, su ironía, sus diálogos mordaces y un elenco totalmente entregado a la causa en el que una como siempre magnífica Julianne Moore es capaz de llevar un paso más allá a su personaje, exponiéndose de una forma tan peligrosa que desde aquí no podemos más que celebrarlo. 

+ Una dirección que combina la quietud con el nerviosismo.
- La escena del fuego, técnica y visualmente olvidable.

PUNTUACIÓN TOTAL:  ★ ★ ★ y 1/2

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REFUGIADO "huyendo del monstruo del maltrato"

La argentina "Refugiado" se estrena en nuestras pantallas después de recibir buenas crítica en el Festival de Cannes y de San Sebastián, protagonizada por la cada día más presente Julieta Díaz, que ya presentó hace menos de un año la comedia "Corazón de León".

Laura (Julieta Díaz) es una mujer que ha sufrido una paliza por parte de su marido, en ese momento decide emprender una huida sin retorno, todo ello bajo la mirada de su hijo Matías (Sebastián Molinaro).

Películas sobre los malos tratos hay muchas, no por ello cada una más necesaria. Sin embargo, ¿qué distingue "Refugiado" de muchas de ellas? La mirada aterradora y asfixiante que le ha imprimido a cada una de sus imágenes. Como si de un thriller se tratara donde adapta y respeta las reglas del suspense: heroína en apuros acechada por el asesino (en este caso maltratdor) que le va siguiendo los pasos allá por dónde va.  Diego Lermán aporta de esta manera un enfoque diferente, pero que si lo pensamos bien bastante realista de la experiencia que debe vivir-sufrir toda mujer que recibe los golpes de la persona con la que comparte su vida.

Para llevar a cabo su tesis hace uso de una fotografía ágil y escurridiza que siempre sitúa la cámara de tal forma que el espectador tiene la constante sensación de estar viviendo una persecución. Y con esa semejanza al género del suspense, se pueden observar algunos gestos y formas que hacen pensar en el mejor Hitchcock, como la incómoda nunca visualización del monstruo, de la bestia que hace detonar el drama de la película. Porque no olvidemos que estamos ante todo en un drama cuyo principal protagonista es la persona más vulnerable de la historia: el hijo. Se podría decir que "Refugiado"además de todas las cosas anteriormente descritas es un estudio de cómo vive, observa, siente y analiza un niño tan pequeño una situación que se le escapa de las manos; que pesar del sufrimiento de su madre y la inestabilidad de la huida y el cambio de vida, no deja de ser un niño y sentir las situaciones como tal.

Es entonces donde Lermán quiere hacer más énfasis en este "Refugiado" que resulta ser realmente el hijo y para ello le cede casi el más absoluto protagonismo, acercando al espectador cada uno de sus movimientos para que pueda experimentar la experiencia desde los ojos de la infancia y lejos de la supuesta racionalidad de los adultos, haciendo que muchas veces la inocencia y simplicidad de dicha edad ponga el mayor punto de cordura y serenidad.

Una película dura e intensa que indaga en la manera de abordar cada persona una situación tan cruel y es bajo un cuidado y milimétrico guión que le cede sus palabras a sus actores, espléndidamente interpretado por una Julieta Díaz que con cada una de sus palabras, miradas y respiraciones se come la pantalla y es capaz de transmitir la asfixia de la cacería que propone la película. No deberíamos olvidarnos del pequeño Sebastián Molinaro que lejos de la exageración y el dramatismo que muchos directores gustan por mostrar en este tipo de personajes.

+ La agobiante e inteligente dirección de Diego Lermán.
- La sensación de que al final quiere acabar la historia rápidamente.

PUNTUACIÓN TOTAL:  ★ ★ ★ y 1/2

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SAMBA "bailar a pesar de todo"

Después de presentarse oficialmente en el pasado Festival de San Sebastián y de haber gozado un gran éxito en la taquilla francesa, aterriza en nuestros cines la siguiente película del dúo de directores que hicieron disfrutar a medio mundo con "Intocable".

Resulta inevitable sentare delante de esta "Samba" sin comparar ni buscar paralelismos con la anterior película de Eric Toledano y Olivier Nakache, sobre todo si tenemos en cuenta la insistente publicidad  haciendo referencia a aquella película.

Sin embargo, nosotros siendo conscientes que ni se trata de una secuela y que cada película ha de ser considerada en su propio mundo, os hablamos de "Samba" intentando no hacer una comparación con "Intocable".

Los directos plantean un hecho dramático como puede ser la inmigración en un país que cada día presenta más problemas en todos los sentidos y se adentra en la vida de una de esas personas para escudriñar el camino que realizan millones de personas en situación ilegal en el país galo. Para poner alma y cuerpo a esa persona nos presentan a un protagonista simpático y bonachón, con demasiado buen corazón, al que interpreta el cada día más necesario Omar Sy, que se aleja de papales interpretados anteriormente.

A pesar del dramatismo que pudiera presentar la historia, los directores optan por dotar a la película del toque de alegría y optimismo que le han caracterizado en su filmografía. La realidad ya la creen demasiado dura y películas de temática social las hay por miles, por lo que prefieren adentrarse en el terreno de la comedia romántica como uno de lo mejores medios para en el fondo realizar una reflexión sobre la esperanza, la lucha y la supervivencia.

Aunque no cuenten con un guión que se caracterice por su valentía u originalidad, Nakache y Toledano son capaces de enfatizar en los puntos fuertes de la historia de amor entre dos personas que llevan demasiado tiempo perdidos y de esta forma consiguen que un guión irregular y algo convencional se convierta en una película notable, que sin ser una gran obra maestra, podrá meterse al espectador en el bolsillo y que salga con una sonrisa del cine.

Somos honestos, como lo dicho anteriormente, y somos conscientes de que no nos encontramos ni con la película definitiva sobre el problema de la inmigración, ni además con la comedia romántica del año. Sin embargo, el carisma de los personajes y el buen hacer de sus protagonistas elevan el nivel de la película y hacen posible la intención de sus directores, no parar de reír. Porque ante todo estamos ante una comedia en la que el espectador reirá durante casi todo su metraje y abandonará la sala del cine con una mirada más optimista que con la que entró.

Nakache y Toledano han rodado una película sincera, divertida y que sin engañar a nadie pretende tocar la fibra sensible del espectador. A pesar de todo se echa de menos un poco más de garra, algún giro narrativo interesante que nos hubiera podido sorprender, pero que no han sido capaces de realizar por cierto miedo a saltar al vacío, haciendo que esta tierna y divertida historia no sea más que otra película convencional sobre un tema tan de actualidad.

+ La química entre Omar Sy y Charlotte Gainsbourg.

- Su correcto formalismo.

PUNTUACIÓN TOTAL: * * *

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